Unos suegros estupendos

Los suegros son una institución familiar importante para el matrimonio de nuestros hijos. Pero, los suegros pueden ser un baluarte, un apoyo o un bien en general para ellos; o convertirse en un obstáculo tremendo para la armonía matrimonial. En las relaciones entre yernos o nueras con los suegros se presentan todo tipo de situaciones que se han de saber gestionar desde el primer momento, desde el mismo instante del anuncio de la boda, o incluso en el noviazgo.

En los preparativos de la boda, quizá tú querrías hacer las cosas de otra manera, o bien querrías participar en algo o en algo más, pero ¡alerta! se invade el territorio contrario. La mayoría de las veces se hace de muy buena fe, es decir porque los quieres, tanto al hijo como a la futura nuera, o a la hija como al futuro yerno. Sin embargo, vas metiendo la pata y creando desasidos. Entonces, hay que llegar a la conclusión rápidamente (bien por la propia inteligencia o bien por la mala experiencia vivida) que lo que da resultado es mantenerse al margen de las decisiones de los hijos, salvo que pidan consejo. Por otro lado, es muy recomendable estar siempre disponibles. Unos hijos serán más apegados, otros más desprendidos, da igual, pero, al casarse, los dos esposos son una sola carne y no es lo mismo que el hijo o la hija que tenías en casa.

Estas reflexiones me sorprendían en la cabeza, cuando mi marido y yo veíamos sentados en el sofá de casa la película francesa ¡Dios mío! Pero qué te hemos hecho (2014). Nos reímos muchísimo y nos sentimos solidarios con aquellos padres que habían casado a sus cuatro bellas hijas. Los yernos eran totalmente diferentes en sus creencias, en sus costumbres y en sus orígenes, cosa que en los tiempos actuales es algo corriente. El contraste entre los yernos resultaba explosivo y chocante y ahí los padres de las hijas intentaban hacer lo posible para que no se produjera ningún cataclismo familiar. Sin embargo no siempre las soluciones de los padres eran efectivas, en el sentido de ser efectivas para conseguir la paz familiar o paliar los disgustos.

¡Dios mío! Pero qué te hemos hecho es una película apta, muy amena, taquillera, para pasar un buen rato en…. familia.

Cristiada permanente

Hace pocos días tiraron por la borda de una barcaza que navegaba por el Mediterráneo a muchos cristianos que querían rehacer su vida en la esperada Europa. Algunos de los culpables del asesinato colectivo han sido detenidos. Todos, victimas y culpables, ansiaban huir de su país de origen. Cualquier cosa era mejor que seguir viviendo en aquellas condiciones que solo podemos imaginar un poco. Sin embargo, unos asesinos que profesan otra religión y, solo por eso, los echaron al agua y el ahogamiento es cosa de pocos segundos o minutos, máxime si no se sabe nadar.

Los católicos vivimos nuestra fe en una Iglesia perseguida. Seguimos noticias escalofriantes que provienen de muchos puntos geográficos del planeta, distantes unos de otros, que acaban resumiéndose en número de muertos y heridos y según en qué medios añaden de cristianos.

No hay que sentir miedo ni sentir halago por ello, en realidad siguen persiguiendo a Cristo. También fue así al inicio del siglo XX (1926-1929) en México, cuyo presidente decretó que estaba prohibido celebrar misa dentro de las iglesias, entre otras órdenes, so pena de muerte a los sacerdotes y a los fieles. Se intentó llegar a acuerdos, incluso intervino Estados Unidos, pero la ley se impuso. Ante tal escarnio se formaron grupos de cristianos que con pocos medios y formación pretendían derrocar a todo el gobierno de México, unos querían el diálogo, otros optaron por las armas. Allí murieron muchos mártires y surgieron beatos y santos, pues al grito de Viva Cristo Rey de muchos cristeros, el ejército gubernamental se erigió en verdugo.

Esta historia real de México, la Guerra Cristera, la hemos visto en la película Cristiada (2012 México) que promovió el actor y cineasta mejicano Eduardo Verástegui, dirigida por Dean Wright. Se estrenó con éxito en países de habla hispana.Fue la última película que interpretó Peter O’Toole. 

Exodus

Con este nombre no nos referimos al éxodo de ciudadanos en Semana Santa, sino a Exodus: dioses y reyes (USA 2014), una nueva película de temas bíblicos, digna de ser añadida a esa lista ya conocida de La Pasión de Cristo, Los diez Mandamientos, Quo Vadis, El rey David, David y Goliat, etc. y con todos los honores de ocupar uno de los primeros puestos del ranking. Contiene ciertas licencias sobre el texto bíblico, llamado con el mismo nombre de Exodus o Éxodo, en el que se relata la historia y liberación del pueblo israelita que durante 400 años estuvo sometido al yugo del faraón de Egipto. La historia se sitúa 13 siglos antes de Cristo.

La lectura del libro del Éxodo, que hallaremos dentro de los primeros libros de la Biblia, nos ilustrará realmente sobre el conjunto de los hechos tal cómo quedaron reflejados en ese libro inspirado por Dios y atribuida su autoría a Moisés. Sin embargo la visión de la película nos completa con imágenes y sonido la salida de Egipto haciéndonosla vivir con más intensidad, si cabe. Téngase en cuenta que la salida de Egipto la protagonizó una muchedumbre de miles y miles de personas que hasta la fecha habían sido esclavos, que en su mayoría iban a pie con su ganado y solo poseían lo que se llevaban encima.

Son impresionantes por su realismo las 10 plagas que envió Yahvé para hacerle ver al faraón Ramsés que había de dejar marchar a ese pueblo oprimido. A su vez, la separación de las aguas del mar Rojo, aún sabiendo como acaba la historia, te mantiene en vilo por las licencias que el director del film nos recrea de aquel hecho.

El diseño y trabajo creativo a nivel digital, favorece todavía más el realismo de las imágenes, así como el maquillaje y vestuario añade dramatismo a muchas escenas, sobre todo del sufrimiento de Moisés por su pueblo, interpretado por Cristian Bale de forma inmejorable. Especial atención me merece como se interpretó a Yahvé, que solo lo había visto Moisés cara a cara. Lo recrean no con una voz que es lo habitual sino con un niño muy serio que habla con voz enérgica. Fue otra de las licencias del director, pues de esta manera y a mi modo de ver, el director no creó una imagen de Dios que todavía no nos ha sido revelada.

Por supuesto Exodus: dioses y reyes es una película muy recomendable, que se puede ver en familia, y que además está filmada en tierras y mares españoles con el ritmo de una aventura muy interesante. 

La gran seducción

Es el título de la película que interpreta el conocido actor irlandés Brendan Gleeson. El guión se desarrolla en un pequeño pueblo de pescadores del norte de Canadá. A pesar de que sus habitantes durante siglos han vivido de la pesca, ahora se han quedado sin trabajo, sin dejar de tener todo el mar ante sus ojos. Aunque en la película no se entra en los detalles o en los motivos de la crisis laboral, lo que sí queda claro es que sus habitantes lo que quieren es trabajar. Son hombres sencillos, fuertes, valientes, con poca preparación para poder aprender otro oficio, pero tienen sentido común y saben lo que quieren. Es muy ingenioso comprobar de lo que son capaces para conseguir un elemento clave para salir de la crisis: Que el pueblo tenga un médico, pues es el profesional indispensable para que se instale una nueva empresa que podría proponerles trabajo.

En esta ambientación, llena de contrastes, lo que salvará la situación son las familias del pueblo. Uno a uno, ellos y ellas, con buen humor y sin demasiadas objeciones, traman un plan para alcanzar su fin. Las esposas de los pescadores, o sus viudas, asumen funciones cada una según sus conocimientos y capacidades, no en vano allí lejos de la gran ciudad, la mujer sabe coser y cocinar lo suficiente como para sacar de apuros cualquier situación que requiera el protagonismo doméstico. El reciclaje de objetos es de una maestría excelente, pues no hay dinero para ingeniarse las cosas de otra manera. Y los jóvenes son la esperanza de que la familia continúe, como ha sido siempre, también en el film.

Así que la película La gran seducción (Canadá, 2013) es una comedia muy recomendable, incluso los pocos suspiros de amor que se oyen en la noche marinera, despiertan una dulce sonrisa en el espectador.

Tierra de penumbra

Es el título de una película en la que Antony Hopkins interpreta a un profesor de literatura de Oxford, intelectual, pensador, filósofo, buen tutor de sus alumnos, con muchas capacidades de estudio. Sin embargo es incapaz de reconocer en sí mismo la capacidad de amar. Y en esa discusión sobre el amor siempre se va a Dios y se le deja, pues no se entiende que Dios aun siendo Amor, consienta que el hombre, la mujer, la humanidad, sufran de manera indecible. La película es de 1993, está basada en hechos reales y se centra y en la época más trascendente del gran escritor Carl Lewis, o más conocido por Jack, pues era así como le gustaba que le nombraran. Lewis llegó a ser uno de los escritores más leídos del siglo XX, siendo sus obras una auténtica escuela de apostolado de la fe católica, entre ellas el ensayo llamado Tierra de Penumbra o Busqué a Dios y lo encontré.

Ya mayor, Lewis sintió dentro de sí que amaba a una mujer maravillosa, Joy  Gresham (Debra Winger), pero no sabía como decírselo, pero todo él, interiormente, vibraba por aquella mujer que llegó a ser su esposa, aunque por poco tiempo. En ese trance, en el que vive intensamente enamorado sobreviene el amor a Dios, la necesidad de rezar muchísimo a los pies de su esposa enferma. Rebrota en él la conversión y no dejará a Dios nunca más.

En este film, Hopkins me merece un gran respeto por su magnífica interpretación pues en la medida que se desarrolla el guión, su mirada, sus gestos, su nervio, su virilidad, se van transformando en la medida en que el amor va transformando a su personaje. Aunque sea calificada por los expertos como drama, es muy recomendable en todos los sentidos.

Familia de policías

O Blue Bloods,  así es el título de una serie de televisión cargada de historias vividas en New York, y no solo en Manhathan. La Jefatura de policía está a cargo de Frank Reagan (Tom Sellek), el cual proviene de una familia de policías de origen irlandés, por supuesto, en la que él es la segunda generación. La tercera generación es muy potente, con dos policías, uno de ellos de carácter fuerte, Danny Reagan (Donnie Wahlberg) que en la serie tiene una esposa enfermera y deliciosa; Jamie (Will Estes); y una fiscal, Erin Reagan  (Bridget Moynahan). A su vez tenemos a una cuarta generación de dos chavales y una chica, todos en edad escolar, que van aprendiendo los criterios de justicia basados en una moral recta, inquebrantable y cristiana. Y en la primera generación, tenemos al bisabuelo, Henry Reegan (Len Cariou), que también fue policía y director de la jefatura. Por lo tanto las historias de la familia siempre van ligadas a historias de policías y de crímenes que se producen en una ciudad que no deja de sorprendernos.

En esta serie se recalca que, aun en el ejercicio de una profesión de alto riesgo, la familia está siempre apoyándose, los unos con los otros. No se pierde detalle en ese sentido. Si es necesario, todos van al festival que se hace en los colegios, o viven en un hospital varias noches sin dormir por enfermedad o accidente de alguno de ellos, por poner ejemplos. Lo importante es la piña. Y en esa piña se producen muchas y muchas! discusiones, sobre todo profesionales. Pero a pesar de los choques, se quieren e intentan comprenderse en todas las circunstancias, teniendo en cuenta la variedad de caracteres de todos. Hay respeto a las decisiones personales y familiares y lo que le pasa a uno le afecta a todos. Realmente los guionistas han cuidado mucho este aspecto. Esto no quiere decir que todo acabe bien, pues los asuntos personales que un personaje lleva consigo no se resuelven en un solo capítulo, y los criminales no siempre van a prisión.  En cualquier caso, toda la familia se reúne para la cena de los domingos, una actividad que hacen muchas familias.

No hemos visto los casi 100 capítulos de las 5 temporadas, ni os cuento que los crímenes, los policías corruptos, la moralidad o inmoralidad de los asuntos criminales de la serie son parecidos a los de todas las series de buenos y malos. Pero a mí, en conjunto, lo que he visto me gusta mucho, pues la manera de resolverlo me parece diferente. 

Un golpe familiar

Realmente la película se llama Un golpe brillante en su traducción al español, pero cuyo

título original es Love punch (Francia 2013). Tiene muchos atractivos, la pareja de actores Pierce Brosnan (Richard) y Emma Thompson (Kate), París y la costa francesa. Es una comedia sin más pretensiones. No hay que esperar efectos especiales ni grandes resoluciones finales inesperadas. Pero a pesar de que más o menos vas intuyendo el final, te lo pasas bien en tu butaca. Brosnan y Thompson hacen muy buena pareja en la película, muy complementados y ambos están muy guapos, sin disimular (aparentemente) la edad que tiene cada uno.

El caso es que en el momento en que se inicia la historia, Richard y Kate están divorciados y han tenido dos hijos que ya son mayores. La empresa donde trabaja Richard ha sido estafada y él se encuentra en la ruina, al igual que su familia y todos los trabajadores. Por otra parte, Richard tiene una amante, y Kate quiere tener una experiencia sexual con un contacto de internet. A partir de este planteamiento, se desarrolla un plan loco y divertido para recuperar el dinero que les han robado, contribuyendo muy contentos los hijos, que vislumbran que sus padres volverán a reconciliarse, y un matrimonio amigo, fenomenal y sin complejos.

Así que sin lágrimas y con mucha gracia, vemos que ellas conocen a sus maridos (o ex marido) y ellos a sus esposas (o ex esposa) que son capaces de prever las cosas pequeñas de la vida cotidiana. Y para acabarlo de rematar, aparece un tercer matrimonio establecido por interés y no por amor, lo cual no suele funcionar demasiado bien. Hay que llegar al final de la película para constatar la resolución del magnífico y llevadero plan, teniendo en cuenta que en París es donde empieza todo y en donde puede pasar cualquier cosa.

Entre vascos y andaluces

El cine español ha subido de categoría al hacer una buena película de bajo presupuesto, cómica y simpática. Rompe, con buen humor, diversos esteriotipos de los vascos y de los andaluces. Se nos han explayado los pulmones de lo que nos hemos reído. Me refiero, por supuesto, a la muy comentada y taquillera Ocho apellidos vascos. El guión clásico de chico busca chica, chica y chico se encuentran, y chico y chica se aman (o no) es muy normal en el cine, y en esta película también. El peso de la familia y la amistad tienen un papel muy importante.

Y aunque se haya pasado por alto, o patinando sobre la cabeza y el corazón de muchas personas, el sacerdote católico que tiene un papel significativo, hace lo que tiene que hacer cuando ejerce su ministerio. Se trata de escenas cortas, pero lo suficiente para haber hecho algo insultante o haber hecho algo como ¡Dios manda! como en Ocho apellidos vascos. El cura prepara a unos que se quieren casar, les dice que se confiesen, y el que se confiesa de los dos es el que practica. A pesar de las muchas cosas que se confiesa y que son además materia adecuada, el sacerdote guarda el sigilo de la confesión. Y a la hora de casar a unos que se ven en la obligación de casarse, hace lo que tiene que hacer. ¡Muy bien!

Ni todos los vascos son terroristas ni todos los andaluces no quieren saber nada de los vascos. En esta película, no hay lágrimas, no hay cosas raras, ni fantasmas. Pero cuando el amor llama a la puerta, no importan los orígenes ni las distancias, aunque se trate de recorrer más 900 kilómetros, que es lo que separa Sevilla del País Vasco.

Los Rayan de Irlanda

Recorrer Irlanda es contemplar muchos de los parajes utilizados como escenarios de películas muy conocidas. Hoy quiero referirme a La hija de Rayan (Ryan's Daughter, USA 1970) que se rodó al suroeste de la isla y donde todavía hoy podemos visitar los restos de los exteriores de la casa - escuela donde vivían la hija de Rayan, Rous, (Sarah Miles) y su esposo Charles, el profesor (Robert Mitchum). Ella es la hija del tabernero del pueblo, el Sr. Rayan, un hombre que intenta hacerse valer a base de dar a todos su confianza sin embargo se encuentra en una situación azarosa, entre apoyar a las tropas británicas que ocupan la isla en nombre de la Reina o ponerse cercano a uno de los grupos violentos que quiere derribar con las armas a todo un ejército británico, en una Irlanda del año 1916.

Mientras estos acontecimientos van evolucionando, y de los que la hija de

Rayan no quiere saber nada, Rous desea conocer algo nuevo que ni ella misma sabe definir pero que tiene claro que más allá de los acantilados, los vientos y las mareas hay algo mejor. Espera con ansia el retorno de Dublín de Charles del cual cree estar enamorada. Charles es un hombre maduro y sosegado, y en principio no quiere casarse con ella pero la seducción de Rous es cautivadora. El enlace se celebra en la iglesia del pueblo y a continuación se organiza una gran fiesta. Entre bailes y cervezas, todos los invitados esperan el momento en el que los novios se retiran a la consumación de su noche de bodas. Un tiempo después, llega al pueblo un oficial británico, herido en batalla, con el fin de recuperarse de sus lesiones. Cuando Rous lo conoce, siente una pasión irrefrenable por el oficial, poniendo en grave peligro su matrimonio.

En todo el desarrollo del guión juega un papel importante el sacerdote católico (Trevor Howard) que intenta hacer razonar a cada uno de los habitantes del pueblo y a la propia Rous, antes de casarse y en sus devaneos posteriores, resultando un punto de inflexión hasta la última escena del film. El otro personaje a destacar es un hombre de aspecto despreciable, mudo, cojo, sucio y aparentemente tonto, pero que se da cuenta de todo aunque la mayoría el pueblo se burle de él. Todos los exteriores de la película son de Irlanda pero en la realidad unos parajes y otros están a muchos kilómetros de distancia, como los agrestes acantilados de Moher, que pueden verse en las primeras escenas del film.

* Las fotos las realicé en mis vacaciones en Irlanda, julio de 2014.

Pánico en el Metro

Como siempre en la versión española el título de la película se adapta a no se qué gustos y le cambian el título original por otro. En este caso era  METPO que traducido, simplemente sería METRO. Se trata de un film de catástrofes que rompe con el mito del fabuloso metro de Moscú, de Anton Megerdichev (Rusia 2013).

La historia comienza por no haber corregido en su momento un error de construcción en el metro, en 1975, cosa que con los años provocará un derrumbe de los túneles y la posterior inundación por las aguas del río Moscova. Además de demostrar que los rusos cuentas con unos medios de control muy deficientes, sin ningún tipo de planes de emergencia, evacuación y control de la situación, el guión prosigue sobre la historia de un adulterio, y el inicio de una relación de un chico y una chica. Las historias humanas siempre son el guión de base de toda película, porque suelen ser situaciones conocidas o vividas por muchas personas, y si están bien explicadas, marcan el éxito del film.

Aquí la esposa es la de un buen cirujano de un hospital público. Ambos han tenido una hija. Desde el principio vemos a la mujer con aires occidentales en brazos de un nuevo rico en materia inmobiliaria, violento y posesivo,  que le daría todo lo que ella quisiese en lugar de que dependiese de un médico de poca monta y de poco sueldo. Por otro lado, la joven pareja se conoce en una estación del metro y a partir de ahí vivirán una experiencia terrible por sobrevivir. El destino los cruzará a todos en el mismo camino, en el mismo desastre.

La película demuestra grandes medios, sin embargo lo que explica sobre la gestión del desastre no parece referido a una ciudad rusa que llaman Moscú, sino a una ciudad tercermundista. No se si es licencia del director o son así las cosas, pero ciertamente llama la atención que se explique de una potencia mundial que el metro lo controlan tres o cuatro personas de buena voluntad, de poca profesionalidad y con medios muy anteriores a las nuevas tecnologías. Sin embargo todos sus protagonistas son muy valientes.

Mirada al pasado

Luz de domingo es una de las películas de José Luis Garci, uno de los mejores directores (por no decir el mejor) del cine español. La bella y actual Paula Echevarria y Alex González interpretan a una pareja de enamorados a primera vista. Urbano es abogado, hombre cabal y recto, aficionado a la pintura paisajista; Estrella es una de las casaderas de Cenciella. Ambos vivirán en el matrimonio un amor para siempre.

Fue rodada en el año 2007, narra la historia de un hecho ignominioso que pudo haber pasado en un pueblo asturiano, en pleno caciquismo, de finales del siglo XIX principios del siglo XX. Se trata de la adaptación de la novela corta del mismo nombre de Ramón Pérez de Ayala (1880-1962). Carlos Larrañaga (1937-2012), fue inmejorable e interpretó al cacique más influyente de la zona.  Así en el pueblo de Cenciella con motivo de que el cacique se encaprichó de unas tierras de un vecino de la localidad, Alfredo Landa (1933-2013), y que uno de sus hijos se encaprichó de la nieta del propietario de dichas tierras, se producirá un afer deleznable, del que nacerá un deseo natural de venganza. Por su interpretación, Landa, bajo la dirección de Garci, obtuvo sus mejores menciones y premios de su palmarés.

En esta película costumbrista, de nuevo José Luis Garci nos da la oportunidad de mirar hacia el pasado. El ambiente, los detalles históricos y los personajes, cada uno con sus características bien definidas, hacen del tiempo de descanso y sofá, un tiempo muy bien aprovechado. 

Una discusión acalorada

La gata sobre el tejado de zinc, obra predilecta de su autor Tennessee Williams, fue llevada al cine en el año 1958 (USA) con gran éxito, como ya sabemos. Sin embargo a pesar de que su estreno se produjo en aquella fecha, 56 años después, los temas que desarrolla son los mismos temas de siempre, es de decir de hoy mismo, la codicia, el egocentrismo, el amor, el cariño, el respeto, las envidias, los bienes y las herencias… todos esos temas que unen, y a la vez desunen con gran dolor. 

La película, que hemos vuelto a ver recientemente, nos mete en un cine que no está de moda, pues no hay efectos especiales, no hay carreras de coches, ni policías ni ladrones, ni futuros ni fines del mundo. Es la clásica película con un fuerte y un auténtico diálogo, en el que en muchas ocasiones te quisieras entrometer para ayudar o aclarar algunas cosas, como si tu ya las hubieras vivido.

El guión de la película, desarrollado con gran carácter y fuerza gracias al elenco de los actores, nos sitúa en un sofá en medio del salón, o en una silla del trastero o tal vez en una butaquita de una de las habitaciones, lugares donde transcurren los acontecimientos. Tiene gancho, te invita a escuchar y seguir toda la discusión familiar, muy acalorada, con todos sus elementos, ataques, insultos, faltas de caridad constantes, desconfianzas, frustraciones, ausencias de diálogo, etc. No obstante, a pesar de todas las cosas, cada personaje evoluciona hacia donde su corazón, y en su fondo, quería ir. El patriarca, enfermo al fin, lo que quiere saber es lo que le ocurre a su hijo, alcohólico; el hijo lo que quiere de verdad es que su padre le de cariño en lugar de un montón de acres de tierra; la esposa de éste lo que quiere es que su marido la escuche y vuelvan amarse como el primer día; la esposa del patriarca quiere olvidar siempre y no escuchar, como si nada hubiera pasado; y el otro hijo, el que parecía más fiel, lo que quiere es heredar los acres de tierra. Intereses creados y personales, buenos y malos, ruines o altruistas, toda la humanidad entera metida en esos personajes.

No obstante, no se trata solo de una discusión encendida, pues cuando casi todo parece perdido, se produce una inflexión llena de esperanza, como ocurre en muchos casos en el seno de las familias: más de uno le da al otro una nueva oportunidad de volver a empezar la relación de amor y cariño que todos desean, empezando por algo muy importante: perdonando.

Sin lugar a dudas el guión de un novelista en boga, unos actores en su espléndida belleza y profesionalidad, y otros actores aunque secundarios realmente poco secundarios, hicieron de esta película un documento para la historia. Incluso hoy, 56 años más tarde, es recomendable, para adultos ávidos en un tipo de cine para la reflexión y con espíritu de mejora.

Amor a través de un cuadro

Walken es un guarda de seguridad de un museo de la ciudad de Boston. Es un hombre felizmente casado con una peluquera que sueña con un viaje de ambos a las playas de Florida. Hace bien su trabajo, le gusta vigilar el buen estado de conservación de los cuadros y las explicaciones que dan los guías, haciendo las puntualizaciones necesarias, especialmente sobre la pintura de una dama, de mirada lejana y algo triste. Walken está subyugado, y a través del cuadro descubrirá que a quien ama es a su esposa. En el mismo sentido, Freeman está enamorado de otro cuadro, también de una dama, de mirada dulce y directa a los ojos. Freeman vive solo, con sus gatos y en su tiempo libre pinta y reproduce el mismo cuadro en su casa. Esta rutina se verá de repente truncada porque la dirección del museo decide trasladar toda la exposición de cuadros, incluyendo estos dos y una figura de un hombre atlético a un museo de Dinamarca. Junto a otro guarda de seguridad, Macy, que se ve reflejado en la escultura atlética, formado en los marines de la Armada americana y de gran espíritu patriótico, urden un plan glorioso para que sus obras preferidas no salgan del país. Y así lo vamos viendo en la película producida, entre otros, por el mismo Morgan Freeman, llamada El Atraco (USA 2009) siendo su título original The Reist.

Los tres actores Walken, Freeman y Macy, que habitualmente interpretan personajes de hombres duros, a veces malos y feos, aquí nos hacen sonreír, con sus miradas y comportamientos de hombres corrientes, con sus defectos y ocurrencias. Nos hacen pasar un buen rato de cine de sofá porque ellos rodando la película se lo pasaron aún mejor.

La magia está servida

Si no te gusta la magia mejor no veas la película El increíble Burt Wonderstone. Se trata de un film familiar, apto para todos, que destaca los valores de la amistad y el esfuerzo por hacer aquel trabajo por el que tú crees que vale la pena entregarse. La primera parte del film está llena de estereotipos artísticos, demasiado clásicos y vistos, pero de ahí provendrá que se hunda el espectáculo de magia que estábamos viendo, y de paso al ocaso de un gran artista de Las Vegas que no ha sabido renovarse porque ha preferido encasillarse en la comodidad. Sin embargo, cuando aparece el camaleónico Jim Carrey, la magia adquiere un aspecto de sangre y riesgo, un poco exagerado y lunático, pero es así su personaje. Finalmente y por sorpresa aparece en una escena muy corta el fabuloso David Copperfield y entiendes un poco más los ingeniosos trucos de magia, cosa que queda confirmada en los créditos del final. En definitiva, The Incredible Burt Wonderstone (USA, 2013) es una película para verla y estar en familia, está pincelada con notas de humor y alguna carcajada, pero es realmente simpática. 

Fe y ciencia

El origen de las especies es la obra de Charles Darwin que recoge una teoría científica, fruto de la observación, del pensamiento y de la lógica científica, totalmente respetable como tal. Sin embargo en los tiempos de Darwin la ciencia se consideraba una disciplina que no podía explicarse junto a los hechos revelados en la Sagrada Escritura, cosa que significaba que cualquier descubrimiento, según su planteamiento, representaba un ataque frontal a Dios. De ahí que La duda de Darwin, nombre que recibe la película que en su versión original se llama Creation (Reino Unido 2009) refiera el tiempo en el que Darwin redactó su obra y en ella se describan las dudas razonables que sufrió al escribir la teoría sobre la evolución natural y cambiante de la vida, de la naturaleza, del ser humano, y de las especies animales y vegetales que crecían a su alrededor, tanto en sus viajes por el mundo como en su casa, destacando la teoría del eslabón perdido, el cual nunca llegó a demostrarse, ni siquiera actualmente. Nadie en aquella época de la Ilustración (siglo XIX) y del resurgimiento de las ideologías de pensadores alejados de Dios, que creían que la religión cristiana suponía un freno al hombre y a su crecimiento, supo ver que realmente es posible que la ciencia y la fe vayan de la mano; es decir, que la fe sin la ciencia es bien poco, o que la ciencia sin la fe es nada.

Darwin (Paul Bettany) y su esposa (Jennifer Connelly), protagonista a la par en el desarrollo de este libro tan controvertido, estudiado, reprobado, mal interpretado, eran cristianos, y como tales tuvieron dudas.  Darwin sufre enormemente la muerte de una de sus hijas, somatiza profundamente su dolor y lo mezcla con la confusión que le producen las conclusiones de su teoría al considerar que pueden atacar a Dios, sobre todo por el momento socio cultural y político de su tiempo, y por el vacío de fe que vive en ese momento. Pero no puede dejar de obviar su estudio sobre el origen de las especies, y finalmente lo publica. La película es dramática pero se comprenden las dudas, y sorprende como en los tiempos actuales se sigue utilizando el texto como arma para atacar a Dios, cuando ese no era el motivo, ni la clave del texto ni del autor, y además, como hemos dicho, no ha sido más que una teoría.

El director de Creation  nos sitúa en un ambiente de naturaleza y espacio propio de los años en que discurre la acción, con todo tipo de detalles. Por otra parte el matrimonio de Charles i Emily Darwin, abierto a la vida desde el inicio de su compromiso, nos da un ejemplo de experiencia conyugal con sus más y sus menos, con una ruptura debido al dolor, al silencio y a la incomprensión de ambos, así como el paso a una reconciliación deliciosa.

Parental guidance

Hemos visto una película amena y divertida, al estilo americano de siempre, en la que se trasmiten valores familiares que se pueden poner en práctica en todas las familias. En España ha sido titulada como “Abuelos al poder” pero su nombre original es “Parental guidance” (La supervisión de los padres). Billy Cristal y Bette Midler, actores muy conocidos de este género, interpretan a un matrimonio, con sus cosas y manías, y que son  los abuelos de dos niños y una niña de una hija de ambos. Pero se da el caso de que apenas conocen a esos nietos pues han tenido poca relación con ellos. La hija desconfía mucho de sus padres porque tienen sus propios métodos educativos, y por ser mayores, creen que esos métodos son antiguos. Sin embargo tiene que claudicar porque ha de irse de viaje con su marido. 

Efectivamente el caos doméstico que crean estos abuelos es muy divertido, visto desde fuera. A pesar de ello, su naturalidad y la comprensión que desarrollan con los nietos, les ayuda a resolver algunos problemas interpersonales, de los nietos y de ellos mismos. En este embrollo, los padres intervienen pues son realmente los que han de educar a sus hijos. Todo ello adornado con el deporte nacional del béisbol, que yo sinceramente no acabo de entender.

El drama del alcoholismo

En la película “Cuando un hombre ama a una mujer” (USA 1994) se explica el caso de un matrimonio maravilloso. Los dos se quieren muchísimo y parece que vivan en un mundo muy divertido e irreal. El es un piloto de avión comercial, lo cual supone que suele estar varios días seguidos fuera de casa, debido a las rutas que tiene asignadas; ella trabaja en un colegio, y a la vez tiene que ocuparse de sus hijos y del hogar familiar. Aparentemente es una descripción muy parecida a la de otras familias, pero con un grave problema de fondo. A lo largo del film vamos contemplando como ella, Alice, (Meg Rayan) tiene la afición peligrosa de la ingesta de alcohol, que en principio su marido, Michael (Andy García) la tolera por no desairar a su esposa. Pero la situación llegará a hacerse ¡insostenible. Vemos el proceso de desintoxicación de Alice y el de la adaptación de ambos a los grupos de terapia de alcohólicos anónimos. Pero realmente lo que mantiene el matrimonio es el amor que Michael profesa a su esposa, a pesar de su comportamiento destructivo.

Es solo un ejemplo del drama que viven muchas familias ante una grave enfermedad y una lacra social como lo es el alcoholismo. No obstante la película lo resuelve todo felizmente demasiado rápido, pues en muchas ocasiones el cine nos quiere dar una esperanza ensoñadora , incluso de situaciones dramáticas como estas.

Los señores Hitch

La industria cinematográfica rindió homenaje a Alfred Hitchoock con la película llamada con su propio nombre. En el año 2012 recibió varios galardones y a la vista de la misma, realmente han sido bien merecidos. Indudablemente el maquillaje de Anthony Hopkins es transformador, y la encarnación de Vera Miles por parte de Scarlett Johansoon es de una capacidad interpretativa propia de una gran actriz. Sin embargo, he leído críticas dispares. Estimo que las negativas provienen del hecho de que novelar la vida de una persona, importante o no, es novelar su vida privada, la cual en muchos aspectos se puede parecer a la de cualquiera de nosotros, por lo tanto, y en cierto modo, poco interesante. Nos ofrece a un Alfred Hitchoock con una personalidad muy acusada, serio, dedicado por entero a su trabajo, con ciertos caprichos alimentarios, y un visionario del cine como se ha podido comprobar al cabo de los años. Y nos presenta a su esposa como una gran mujer, pues parte del éxito del cine del señor Hitchoock se basó en los guiones de sus películas, adaptados al cine por la Señora Hitch. El condimento de la película es doble. Por un lado, el posible o probable engaño amoroso del que fue víctima el propio Hitch, y por otro, las dificultades que tuvo para producir y hacer la película tan conocida como Psicosis.

Es sabido que a Hitchoock le gustaba participar en sus películas, en la sombra, apareciendo en un extremo, como si fuera nadie que no importara en toda la película. Sin embargo en Psicosis tiene una participación esencialmente espectacular, y además, en la más que conocida de sus escenas, la del crimen en la ducha. La película Psicosis fue un éxito por muchos motivos y en la película Hitchoock vemos muy gráficamente porqué.

La familia numerosa en el cine

Steve Martin es un conocido actor americano cuya especialidad es la de hacernos reír, cosa que no es fácil. Además es el eterno protagonista del cine familiar, no tiene sentido del ridículo y con sus payasadas puedes pasar un ratito distraído. “Doce en casa” (USA 2003, remake de 1950) es una película que puede resultar sorprendente pues no es habitual que veamos cómo funciona una familia numerosa compuesta de doce hijos. Es cómica pero por supuesto en muchos aspectos es real. Se producen situaciones que son para pedir ¡socorro! o para tomárselo con calma y bien. El contraste muy llamativo lo ponen la familia de los vecinos más próximos que son de hijo único. El motor de la película es mostrarnos un ejemplo de cómo vive una familia numerosa y la manera de sobre vivir en ella, y la forma es renunciando cada uno de sus miembros a algo muy importante o que creían que era algo importante. Esa es la conclusión, la generosidad, el dar, el entregarse, hace posible recibir más y más amor de los demás.

En ningún momento de la película se hace referencia a un sentimiento o inclinación religiosa, pues hay que tener en cuenta que el amor a la familia y a una familia numerosa no es patrimonio de ninguna religión sino que podemos encontrarlo en cristianos, judíos, musulmanes, por poner los ejemplos de las religiones más arraigadas en el mundo. En ese sentido la película es muy sabia.

El costumbrismo en el cine

Enamorarse a primera vista es ese corto circuito que se produce en el cruce de dos miradas que se desean al instante. Eso le pasó a Sean Thornton (John Wayne) cuando vio a la pelirroja, pecosa y temperamental Mary Kate Danaher (Maureen O'Hara). Pero no lo tuvo fácil. Sean Thornton había nacido en una bella y verde población de Irlanda, Inisfree. Poco tiempo después su familia se trasladó a Estados Unidos. Pero en un momento dado de su vida, Sean decide regresar a aquel lugar, del cual tenía un profundo recuerdo transmitido por su madre. Al poco de llegar a Inisfree, se creó una gran expectación por el recién llegado, y le nació su primer y gran enemigo, el hermano de Mary Kate.

A lo largo de la película The Quiet Man (Un hombre tranquilo, 1952) del gran director americano Jhon Ford, se suceden una serie de acontecimientos, pequeños, pero indicativos del arraigo de las costumbres locales, tan importantes para las personas de Inisfree como incomprensibles para Sean, un hombre tranquilo y pacífico. Esas costumbres, como por ejemplo pedir permiso al hermano mayor (en ausencia del padre) para poder iniciar una relación o noviazgo, o bien aceptar la dote, le harán enfrentarse a su pasado complicado y que a veces le impide defender lo que más ama.  De alguna manera y a través de la película, podemos ponernos en la piel de las familias que tienen sus costumbres arraigadas desde hace muchas generaciones, las cuales son tan importantes y tan fuertes, que aun amándose los novios con locura, impiden la celebración de un matrimonio o incluso la consumación de éste.

The Quiet Man tuvo dos oscars, a la mejor fotografía y al mejor director. Jhon Ford sin duda incide en la relación más o menos conflictiva que existe entre los católicos y protestantes de aquellas verdes y húmedas tierras irlandesas. La película forma parte de la historia del buen cine. Y sus dos protagonistas, los podemos contemplar en uno de sus mejores celuloides.